Director: Benjamin Christensen
Titulo: Haxan
Origen: Suiza - Dinamarca

Herética, maldita, pagana, perversa, maliciosa, descarada, demoníaca, idólatra, morbosa, amoral, gore, putrefacta... fabulosa. Todo esto encierra Häxan (se pronuncia "hek-sen"). Desde la excéntrica Freaks (1932) de Tod Browning nunca creí que el cine pudiera haber concebido antes una película tan shockeante y con imágenes que se graban casi a fuego en el inconciente. De lo teórico a lo práctico. Desde la cosmovisión de la creación y la realidad, pasando en detalle por el catolicismo medieval de la prerreforma, hasta llegar a una búsqueda de la verdad a través de lo fáctico, lo científico; más específicamente, el psicoanálisis.

Benjamin Christensen no solo se propone desde el principio como una persona con algo para decir (así lo sugiere exponiendo un primerísimo primer plano de su rostro al inicio) sino que propone una correcta búsqueda de la verdad. Con abstraernos un poco del material, reconocemos que actúa en su propia obra sobre tres papeles distintos: Demonio, Sacerdote y Jesús crucificado. Siendo respectivamente personificado en la condena, la mediación y la salvación. Manifiesto de un trabajo personal donde quiere darnos a conocer su propia cosmovisión de de la realidad sobre los miedos del hombre. Y el temor como síntoma de una percepción errónea de lo verdadero.

Desde el inicio muestra Christensen su material didáctico a través del uso de iris y punteros para señalar las distintas escenas en los cuadros de El Bosco. Presentándonos las convenciones que se detallaran durante el metraje, sirve de introducción a los miedos como creadores de mitos en la angustia del no-saber desde los egipcios al medioevo. (Dato freak: uno de los ídolos demoníacos que aquí se presentan es usado por William Friedkin en The exorcist).

Las escenas que componen el resto del metraje no aluden a la edad media desde el romanticismo, como puede verse en otras realizaciones, sino que se vale del más terrible adjetivo para representar esta era: la edad oscura (aunque considero mas sugestivo su traducción al ingles: dark age). Más de una escena alude directamente a obras de Velásquez, Caravaggio y Goya con su tenebrismo gótico para utilizar el negro como tono predominante llevado a un nivel pictórico. He aquí el cuidado estético de Christensen mediando casi entre el pintor y el cineasta para crear atmósferas desde el claroscuro y hasta valiéndose de vapor para cargar de humedad el aire del encuadre. La música acompaña de sobremanera los colores y la masa de vapor que lleva cada relato. Este uso de los grises supone un vaivén entre las maniqueístas concepciones de bien-mal. Abriendo una paleta de colores moral, el director va más allá del bien y del mal presentándonos al demonio como una persona apasionada, divertida y hasta querible, invirtiendo los iconos convencionales de una sociedad cristiana.

Desde la primacía de la razón, nos quiere erradicar el miedo y la superstición. El film cierra con una reflexión sobre lo que ha provocado poner por encima de la realidad la fantasía. El sufrimiento que el temor antiguo ha provocado desde la ignorancia de eliminar el problema en lugar de observarlo desde la perspectiva psicoanalítica. La tortura solo ha llevado a que la supuesta bruja confiese lo que los inquisidores quieren creer. No en la brujería como utilidad que se ve en el segundo capítulo sino como oníricas reuniones de aquelarres en compañía del demonio, el enemigo cristiano.

En sus freudianas teorías sobre la histeria (claramente influenciadas por el auge del psicoanálisis en los años veinte), el realizador nos trae al presente con un caso particular encarnado por una joven mujer sonámbula y cleptómana. Atribuyendo estas enfermedades a la soledad sexual y la ausencia de su marido. Si durante todo el film se nos muestra a la autoridad como brutal y rebozante de poder, aquí los tonos solo sugieren la compasión y la condescendencia. Se aprovecha el marco histórico de la 1º guerra mundial, donde mujeres solas o viudas pierden el rumbo y las seguridades futuras, mendigas de la vida como María la Tejedora, y su represión sexual se asemeja al celibato o al claustro monacal. Donde creíamos que la pasión sexual solo era obra de Mefistófeles manifestándose en el cuerpo, solo eran las pasiones que no se dejaban reprimir y hacían las veces de normalidad en la psiquis. Como manifestaciones reales de la persona. El cristianismo reniega de la pasión, ergo: el cristianismo reniega de la naturaleza del hombre. El reemplazo de la enfermedad por la superstición y la patología por la represión, comienza una serie de arpegios subjetivos sobre la edad oscura de la historia de la humanidad.

La construcción de la idea de un universo es misión de la ciencia, no de la brujería, la religión, el esoterismo o la superstición: "La creencia en espíritus malignos, hechicería y brujería es el resultado de ingenuas nociones sobre el universo".  Hay una clara defensa de la ciencia: "La locura de la bruja puede ser explicada como un desajuste nervioso". El miedo puede controlar nuestra realidad: "La creencia de la gente era tan fuerte que la presencia del diablo se convirtió en algo real", casi comparable al "Gran Otro" del que habla Lacan.

CONCLUSION: La ciencia puede explicar el mito, ya no hace falta invocar a un dios para que llueva. Häxan responde a una necesidad ética en la que el saber se pone al servicio del hombre para superarse, para evolucionar. Solo falta tomar el martillo de Thör, sentir el viento del mar en un navío vikingo y poner a todo volumen The ride of the Valkiries de Richard Wagner para, definitivamente, aspirar el húmedo y oscuro aire del cine nórdico.

Titulo: Diary of the dead
Director: George A. Romero
Origen: EEUU
Actores: George Buza, Joshua Cole, Joe Dinicol, Shawn Roberts, Tatiana Maslany

Nos sorprende un Romero que vuelve a ser independiente: "Para mi los zombis representan el desastre, y lo que trato de explorar en mis películas es cómo reacciona la gente ante una catástrofe, podría ser un huracán, podría ser una inundación... pero en este caso son zombis. Me interesa qué ocurre en el mundo, tanto en la sociedad como en las vidas individuales de las personas y cómo tratan de adaptarse. En Diary of the dead, de hecho, he vuelto a contar otra vez la misma historia, pero esta vez me interesaba ver qué pasaba con los medios, qué pasaba con la información, qué pasaba con el gobierno".

Explosión mediática, bombardeo de información continuo. El peligro de tantas opiniones es dejarse cautivar por ciertas ideas que aparecen, por ejemplo, youtube o myspace. La información no se puede controlar porque no se sabe de donde proviene. Todo el mundo tiene una cámara en sus manos (celular). Desde la puesta en escena del film, la cámara continuamente subjetiva es la que narra la historia. Todo esto contiene la gran pregunta que es Diary of the dead. En palabras del autor: "La pregunta es: ¿Los medios crean violencia o la violencia crea los medios? No lo sé. Es una pregunta que no intento contestar". Desde el comienzo se nos muestra un equipo de periodistas tomando la casa donde ocurrió un crimen con toda naturalidad: "Tres muertos, lo típico". Un hombre en la radio nos dice: "Es lo más parecido al programa La guerra de los mundos de Orson Welles. Y eso que en esa época era solo por la radio. Ahora son las 24 horas del día".

Así como el reportero al comienzo se escandaliza porque el conductor de una ambulancia esta almorzando mientras cargan un cadáver en su vehículo, Romero hace lo propio presentando una película dentro de otra película que a su vez tiene imágenes extraídas de otras filmaciones. Esta obra es un "el muerto se asusta del degollad" constante. El gran montaje montado sobre un montaje de otro montaje. Este trabalenguas sólo hace más evidente el mensaje del director. Hay tantas versiones y tantas ficciones montadas sobre otras ficciones que no se muestra una verdad sino un recorte de ésta por más autentica y progresista que sea la intención.

Estas evidencias se presentan desde el guión, no solo la violencia sino también este asesinato de la verdad. Constantemente se juega con el vocablo inglés "shoot", el cual se usa tanto para "filmar" como para "disparar". En un primer momento, el profesor Andrew Maxwell (Scott Wentworth) le entrega un arma a Tony (Shawn Roberts) diciendo: "es fácil de usar". Un minuto después, siendo sarcástica con el profesor, Deb (Michelle Morgan) le entrega una cámara diciendo: "tome, es fácil de usar". Se remarca esta idea de la cámara como un arma para matar o herir a la verdad. El segundo momento es cuando Jason (Joshua Close), moribundo, le pide a Deb que le "dispare" ("shoot me") y le entrega la cámara. Acto seguido, ella lo ultima de un disparo a la cabeza con un arma de verdad, ya sin metáforas.

Titulo: Land of the dead
Director: George A. Romero
Origen: Canadá
Actores: Simon Baker, John Leguizamo, Dennis Hopper, Asia Argento

 
Treinta y siete años después de su ópera magna, Romero abre esta obra con el viejo logo de la Universal, sugiriendo un "I'm back". Dice Romero en una entrevista: "La fantasía es un medio para las metáforas". Y jamás lo ha demostrado tan completo como en esta película. En una Norteamérica donde se ignora el terrorismo y los problemas sociales, las personas parecen tener cada vez más amnesia. Aquí se nos muestra un universo paralelo de un EEUU bajo el gobierno de George W. Bush: un edificio donde los blancos viven una atmósfera de "nada ha cambiado". Se niegan a aceptar o reconocer que la vida no es la misma. Siguen como si nada hubiera pasado luego del 9/11 y no se le da importancia a la guerra en Irak.

Mostrar todo esto sería muy sencillo, pero como no hablamos del estilo Michel Moore, documentalista, se necesita poner a trabajar la imaginación para que la metáfora sea posible. Romero utiliza el cine de terror como vehículo para una crítica social. La ficción como herramienta para reflejar el mundo, una metáfora de la realidad.

En esta película, EEUU es un lujoso hotel donde el hombre blanco y rico sigue su vida mientras los zombis siguen afuera. Encerrados en una isla, los que viven en las calles sufren la explotación para que "los de arriba" puedan seguir con la vida que tenían antes del ataque antropófago. Mientras se muestra el interior del edificio, se escuchan a los parlantes invitando a la gente a un baile de máscaras, resaltando aun más la resistencia al cambio de estos victorianos. El verdadero horror es que el sistema anterior nunca vuelva a ser restaurado. Incluso siguen usando el sistema monetario como si de algo valiera en la economía. No por nada el rey, amo y dios de este pueblo, Kaufman (Dennis Hooper), grita encolerizado cuando los zombis invaden: "No tienen derecho".

La figura todopoderosa de este personaje se nos presenta además en la puesta en escena. Este dios comienza su discurso deteniendo un péndulo de reloj y explicando todo lo que ha hecho por las personas dentro del edificio y cómo ha mantenido al vulgo con espectáculos y vicios. Termina su monólogo haciendo arrancar nuevamente el péndulo, remarcando así su poder no solo espacial sino también temporal sobre la masa.

Este edificio es mostrado siempre desde una perspectiva caligarista. Apelando a la estilización y el uso del triangulo para sugerir poder y dominio desde la figura de Kaufman y sus dominios una y otra vez durante todo el film. Puede observarse no solo la prepotencia arquitectónica sino también su función omnisapiente y panóptica. Desde el impresionismo, en una escena nos muestra todo su poderío desde el interior del edificio, donde, más que un homenaje, atenta con ser un plagio de Metrópolis, la cual plantea un problema similar entre clases sociales.

La lucha en esta película es entre hombres. Los zombis son solo accesorios dramáticos apartados que no tienen su incumbencia sino hasta los últimos minutos. Esta es la lucha del todopoderoso hombre blanco Kaufman contra el mestizo Cholo (John Leguizamo) que intenta entrar en esta clase social relajada. Analogías si las hay entre el ciudadano estadounidense y el mexicano, donde el primero le dice al segundo: "De acuerdo, pinta mi casa, pero no entres en ella". Como satirizando al presidente Bush y su proyecto de un muro en la frontera con México.

Casi como un Karl Marx de nuestra era, Romero comenta la explotación del hombre por el hombre en este sistema capitalista. De cómo el proletario solo sirve de herramienta para el poderoso. El ser útil como medio por el cual una persona deja de ser persona para convertirse en engranaje. "Fúndase, por regla general, el sistema de la producción capitalista en que el trabajador vende su fuerza como mercancía" (El Capital). Cholo, el proletario, se harta de estos juegos de poder donde nunca podrá pertenecer, dada su condición de no-ario. La revolución proletaria conlleva desestabilizar el sistema de poder capitalista, a lo que Kaufman (¿Bush?) predica: "No negociaremos con terroristas". Para hacer aun más cercana la metáfora, Cholo comenta su cruzada literalmente como una yihad.

Desde lo técnico puede observarse que, al ser producida por la Universal, no hay planos arriesgados como en el resto de su filmografía. Aun así, su ideología punk-anárquica y denunciante sigue intacta. Por ejemplo, al principio de la película, nos muestra una bandera rasgada, signo de la debacle del sistema.
El mensaje del hombre encerrado en sí mismo sigue en pié. El diseñador Arv Greywal para hacer la ciudad, se basó en el diseño de un campo de concentración que no sólo protegiera a las personas sino que también las mantuviera prisioneras.

Titulo: The night of the living dead
Director: George A. Romero
Pais: EEUU
Actores: Duane Jones, Judith O'Dea

Pudo haber sido un virus. Pudieron haber sido ratas. Pudieron haber sido terroristas. O incluso vampiros, como en la novela que inspiró al director a realizar la película (I'm legend, de Richard Matheson). Y aunque esta novela sólo narra acerca del último hombre sobre la tierra, Romero decidió ir hacia el día cero del ataque. Parte del optar por filmar muertos vivos se debe a la película El carnaval de las almas de Herk Harvey (un claro homenaje lo hace cuando los muertos emergen del agua en Land of the dead), la cual impresionó al director antes de lanzarse a su ópera prima. Dicha realización juega con el lugar que ocupan los muertos en el mundo y cómo una mujer vaga sin saber en qué lado de la realidad se encuentra. Muchos de los planos utilizados aquí pueden verse en el film de Romero. También, por mencionar a un director menor, de Alfred Hitchcock ha sabido nutrirse de de los aspectos de la mente humana ante situaciones límite, la caída de algunos valores clásicos y los planos rápidos en la acción, como se verá más adelante. Romero utiliza al zombi como revolución, crisis. La película trata sobre la gente y lo que hace para adaptarse a los cambios en el mundo. La disolución del orden. El fallo del orden capitalista contra una condición anárquica de las situaciones.

Un gesto común por parte del director en toda su filmografía será el de colocar los títulos al principio cada película. Una especie de solidaridad con el espectador para no cortar el sentido dramático de la narración. La confianza en los medios es una constante. Tan desesperados están por conocer una versión "oficial" que los ánimos cambian al encontrar una radio en la casa y hasta une a los enemigos al momento de encontrar un televisor. Ben (Duane Jones) trata de calmar a Barbara (Judith O'Dea): "Estaremos bien por un rato. Tenemos armas, balas, comida y una radio". A través de una imagen televisiva, Romero representa el inicio de la histeria cuando los tres representantes de nuestra tranquilidad entran en conflicto de opiniones: Gobernantes (que nos guían), Militares (que nos protegen) y Científicos (que nos explican lo que pasa). La caída de estos pilares que se consideran mejores que nosotros por el cargo y la cultural carga que se les atribuye, conlleva el guante blanco que arroja el director a nuestra absoluta confianza en ellos. No conforme con remarcarlo aquí, Romero luego hará las críticas de cada uno por separado. En Día de los muertos se carga a los militares. En The Crazies con los científicos. Y en Tierra de muertos contra el gobierno.

Ya se mencionaron estas sugerencias por parte de los medios, pero, sin cansarse de eso, la puesta en escena también es tenida en cuenta. Cuando los personajes encuentran un televisor en la casa, deciden ponerlo sobre dos sillas. Al encenderlo comienzan las confusas informaciones y mentiras corrientes del medio noticiario, seguida de la imagen de los tres poderes. El encuadre de dos sillas enfrentadas demuestra la verdad y la mentira que se unen y nos confunden para entregarnos a su más fiel comentador: los medios.

Buscando entre las influencias del director, se observa una muy profunda: Alfred Hitchcock. Las tomas rápidas en la acción y cortes desde perspectivas angulares extrañas son los lugares comunes de ambos. Cabe destacar aquí el trabajo de Romero como editor, utilizando un staccato montado cinematográficamente donde cada escena se destaca una tras otra con una duración de no más de tres segundos. Un homenaje al maestro del suspense puede verse claramente en la escena donde Karen (Kyra Schon), convertida en zombi, asesina a su madre (Marilyn Eastman). La perspectiva y el uso de la iluminación apuntan directamente a Psicosis.

Titulo: The Man Who Shot Liberty Valance
Director: John Ford
Origen: EEUU
Actores: James Stewart, John Wayne. Lee Marvin, Vera Miles

Un senador y su esposa vuelven a su pueblo para presenciar el funeral de un desconocido para el mundo. Tras la insistencia de un reportero, nos cuenta la historia de su llegada al pueblo.
Cuando era un joven abogado, este senador llega la pueblo del oeste donde el arma es la que hace de juez y verdugo. Sumado a la incompetencia del sheriff local, no puede creer el estado de anarquía que reina. Golpeado y humillado varias veces pero siempre con una esperanza, comienza a enseñar a leer a la gente y el sistema democratico que les da derecho a voto.
Tras discusiones con el matón del pueblo, se bate a duelo y logra matarlo, al menos eso creemos.

Sobre el final, volviendo del funeral, se acerca un camarero del tren para traerle una escupidera especial para el senador. Lo que este agradece y el sirviente replica: "Lo que sea por el hombre que le disparó a Liberty Valance". Y la deprimida cara del senador se nos hace notar. Angustioso de solo ser recordado por haberse salido de la ley en la que tanto cree, recordado por matar a un hombre.

MORALEJA DE LA PELICULA: Hace mucho lei una frase (pero no recuerdo de quien) que dice: "Los pecados escriben la historia, el bien es silencioso". Es decir, siempre te van a recordar por tus cagadas. Lamentablemente siempre son mas notables. No importa si enseñaste a salir del analfabetismo a un pueblo, la asociacion que siempre se hará será por la macana que te mandaste.

Titulo: Jisatsu Saakuru
Director: Sion Sono
Origen: Japon
Actores: Mai Housyou, Masatoshi Nagase, Ryo Ishibashi y Tamao Sato

Uno de los mas impresionantes comienzos de pelicula que he visto en mi vida. Tipica escena de grupo de adolescentes saliendo de la escuela y estan cada uno en la suya entre compañeros, celular, mp3, bromas mientras esperan el subte. De la nada se teman de las manos y se arrojan a las vias logrando un enchastre digno de cocinero que se olvidó de ponerle la tapa a la licuadora

Un detective y una hacker free-lance intentan descifrar que hay detras de una ola masiva de suicidios aolescentes que asola la ciudad de Tokyo. Mientras, las personsa se lanzan desde los edificios, se cortan las venas y demas escenas no aptas para estomagos blandos.

Mas alla de toda analogia, esta pelicula es un claro dardo directo a los medios de comunicacion y su influencia sobre los jovenes. Finales inesperados si los hay, asi que hay que mirar con ojo fino cada indicio que nos da el director.

MORALEJA: ¿Escuchas la musica que estas escuchando? ¿Lees lo que estas leyendo? ¿Compras lo que estas comprando?

Titulo: Live!
Director: Bill Guttentag
Origen: EEUU
Actores: Eva Mendes, David Krumholtz, Eric Lively, Katie Cassidy, Jeffrey Dean Morgan, Rob Brown, Jay Hernandez

Un nuevo reality, cinco millones para los ganadores, solo una consigna: jugar a la ruleta rusa en vivo.

Katy esta filmando su trabajo, a modo de documental, donde tiene como proposito mostrar un espectaculo totalmente nuevo. Toda puerta que se le cierre sabrá abrirla con la ganzúa de su astucia y retorica para convencer a cualquiera de que este show revolucionará la television.

Es genial la escena donde trata de convencer a una persona a traves del ofrecimiento de una manzana, alegoria biblica si las hay, como la tentacion de generar algo terrible pero maravilloso. Como una Eva de los medios, recurre al quilombo mediatico para estar en boca de todos: el morbo siempre vende.

La pelicula no intenta ser una llamada de atencion sino que nos deja la tarea de la reflexion para casa, como, en mi opinion, deberia pasar en todas.

Titulo: The Curious Case of Benjamin Button
Director: David Fincher
Origen: EEUU
Actores: Brad Pitt, Cate Blanchett

La idea es genial. Nacer viejo, morir niño. Una mirada inversa al juego de la vida que muchas veces no es tan inverso como creemos. En muchos casos podría decirse que la ancianidad es una segunda niñez, obviando lo motriz, claro esta: caprichos, manías, cuidados, temores...

Benjamín solo fue querido en una familia adoptiva, bicho raro desde el comienzo encontró su hogar entre sus pares pero en el lado opuesto de la vida, un asilo de ancianos.
Entre consejos y cuidados extremos la vida de este personaje se desarrolla normalmente, si bien parece un viejo, su esencia infantil es completamente normal.
A través de la película no pasa nada mas allá de la vida de este hombre, algunos sucesos norteamericanos históricos pasan como sugiriendo una cronología contextual.

Si al que nos vende los carilina en el tren lo ponemos en una sala donde se proyecte esta película, seguramente se hará el día.

MORALEJAS DE LA PELICULA: Aprovechar a los ancianos, tal vez el haber crecido en este ambiente ha hecho que Benjamín viviera como una buena persona generosa, llena de vida.