Era un gran día para ir al cine. Previa en Burguer King. Me siento en la butaca. Saco mi anotador en caso de que me guste alguna frase o escena. Unos pibes delante mío comentaban lo asustados que estaban respecto a la película (para mí es una grandeza, que griten y se asusten en el cine es como reirse porque todos se rien en una comedia). Pasaron seis avances de películas una mejor que la otra y la felicidad iba en ascenso. Ya sabía de que trataba la película popr algunos comentarios así que al ver un equipo simil SWAT no me sorprendió mucho de entrada.
Lo que sí de veras me hizo estremecer fue la primera Rec. Que te hablen en gallego al principio choca pero uno se acostubra y sumadas las brillantes actuaciones hacen pasar una tortuosa hora y media llena de sangre, persecusiones y terror. Basta con decir que Rec (la uno) ocupa un importante lugar en mi uniforme top 10 de películas de terror.

Las segundas partes siempre tienen su carma de terminar con un 2 como título. Como dice Liniers en una de sus tiras: "En la primera quieren hacer una película, en la segunda quieren hacer plata". Pero no nos quedemos con eso, pensemos en Terminator 2, El padrino 2, Toy Story 2, El Señor de los anillos: las dos torres, etc. 2.
La carga negativa, el karma que poseen las secuelas es provocado por películas como Rec 2. Donde el cine pierde todo su atributo, todo su verosimil al parecerse a un videojuego. Es más que claro que Jaume y Paco se ampollaron los dedos jugando al Left 4 Dead porque no paran de citarlo. Perdón, de imitarlo. Perdón, de copiarlo.

En la primera los recursos técnicos de encuadre eran creibles ya que era un cámarografo el que mantenía la subjetividad de la cámara en todo momento. En cambio aquí no podemos creer que un miembro de seguridad posea conocimientos técnicos a la hora de filmar un exorcismo. Acto que, al estar en un bajo contrapicado detras del "poseído", debe hacerlo acostado en el suelo dada la posición de la toma. Ah, si, no son zombis, están posesos. Te lo cuento para que no vayas a verla. Gastate la plata en un helado que es más rico y sentir indesición por los gustos te acelera más los latidos del corazón que sentarte en la butaca a ver esta película.

No sé que habrá sido de esos pibes, pero los veo con miedo mientras el heladero espera la orden de los gustos.
Si alguien necesitaba razones para odiar las secuelas, esta es una revelación irrefutable.

Leer Rec 2 en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

SE NOS FUE EL TREN
(Tener en cuent- que no me escribe un letr- en el tec-ldo)

Se nos fue el -mor. Se nos fue el creer. El rom-nce con el cine -rgentino lo dejé cerr-do en el sobre de l-s cos-s imposibles. “¿Ver una películ- -rgentin-? Ni en pedo”. Y cu-ndo creí- que nuestro cine sólo se comprometí- con fantoch-d-s idito-s (lé-se: 100% luch-, Esper-ndo l- crroz- 2), los melodr-m-s -rtísticos y rebusc-dos que subestim-n -l espect-dor n-cional. Que h-cen su cometido de llen-r quince but-c-s por -ño, llegó l- mejor películ- que nuestro hizo en mucho tiempo. O, t-l vez nunc- hizo.

Ric-rdo D-rín interpret- un person-je detectivesco que comienz- interez-rse en el inconcluso homicidio de un- mujer. Conmovido por el viudo, busc-r- -l homicid- h-st- en un p-rtido de R-cing donde h-y un despliegue técnico que demuestr- que nuestro cine puede ser mucho mejor de lo que es. Y donde Fr-nchel- demuestr- que puede h-cer muchisimo m-s que comedi-. 

C-mp-nell- (uno que tuve en mi list- negr- después de ver Lun- de vellned-) logró introducirme en un mundo increíble. Donde los ojos son protgonist-s. Donde observ-r es lo m-s import-nte. Donde un cine -rgentino puede ser mil veces mejor. Con tr-velings que muy bien podrí- envidi-r Orson Welles. Con un Fr-nchel- que hubier- querido tener de comp-ñero Hércules Poirot. Con fotos que dicen y dicen mucho. Donde l- im-gen dilog- con su espect-dor y l- puest- en escen- demuestr- un l-buro increíble. Y con encu-dres que h-y que –pl-udir de pié.

Por –hor-, l- mejor películ- n-cion-l que vi en mi vid-.

FRASE DE L PELICUL: “Siempre viví mirando h-ci- -del-nte. No puedo mir-r p-r- el p-s-do. No es mi jurisdicción.”

Leer El secreto de sus ojos en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

El objetivo del modelo Bruno es hacerse famoso. Lo intentará todo para ser el homosexual austriaco más famoso “después de Hitler”. Crea su propio programa, adopta un niño africano, trata de llevar paz a la franja de Gaza, se hace heterosexual y hasta graba un tema solidario con Sting, Bono, Snoop Dog, Elton John y otros…

El actor de Borat nos sorprende una vez más con un falso documental. Tal vez no tan gracioso pero si mejor producido y más arriesgado. Como siempre, lo que busca es llevar a la gente a los límites y mostrar su verdadero rostro racista e intolerante. Antes con los árabes, ahora con los homosexuales. De cómo EEUU se erige sobre un falso concepto de libertad y prosperidad ocultando su costado más homófobo. Bruno es un personaje muy bien logrado que juega con su ignorancia en cada diálogo para sacar de sus casillas a cada entrevistado. En su cruzada no encontrará más que decepciones por lo que decide hacerse hetero y concurrir a un curso para que le "curen" su homosexualidad, una escena para ver una y otra vez. Logra un diálogo muy inteligente más allá de su humor.

La caradurez y lo zarpado de este actor no tiene límites, no sorprende la cantidad de juicios que ganó con su anterior película y los que seguramente logrará en esta. Desde ser perseguido por judíos en Israel y proponer a los líderes palestinos que maten cristianos para solucionar sus conflictos hasta casi (pero por muy poco) cabecear una silla que le revolean en el circuito WTF mientras se besa con su ayudante en el cuadrilatero.

Lo que dice a un terrorista es cierto: “Osama es taaaaan 2001”.

Leer Bruno en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Uno cuando va al cine a ver una de Tarantino le pasan muchas cosas. Por una parte hay una adrenalina acumulada desde que se tuvo las primeras noticias de una nueva de sus películas. Por otra, saber que es imposible salir defraudado, esperando esos exquisitos diálogos, ese rock and roll copado mientras lo destripan a alguno y las referencias a otras películas. Aunque esta vez faltó el rockanrollen, los aplausos al final siempre demuestran un hecho: nuevamente se ha superado. Una película mucho mas madura que toda su anterior producción, pero que no pierde el estilo. Madurar no es volverse choto. Madurar es crecer, reconocerse mas sabio pero sin perder lo que te hizo grande.

Aquí congenian muchas cosas. Un pelotón de judíos con el único objetivo de cargarse a cuanto nazi se cruce por el camino, entre los cuales se haya un crítico de cine (¡cuak!). Una judía francesa que escapó de ser masacrada junto a su familia y ahora es dueña de un cine. Y nosotros, por supuesto. Los países en conflicto: Francia, EEUU y Alemania. El escenario: un cine francés. Y aquí es donde comienzo a dudar… ¿No será la segunda guerra mundial una excusa para que Tarantino nos cachetee Cine por todos lados?

Francia es la cuna del cine (los hermanos Lumiere). Este país sumado con Alemania y EEUU son los más grosos en la historia del cine. ¡El campo de batalla se da en una pequeña sala! Y si le sumamos el metodo de aniquilación que se usa, que no voy a revelar, esto es una clase. La butaca se hace pupitre y el director se hace maestro (una vez más).

El cine hace justicia. El cine va junto con la historia y merece de vez en cuando una revancha. Los bastardos no sólo son el grupo de Aldo (Brad Pitt), sino también Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) y también lo es el cine. Un cine que fue prohibido, violado, sodomizado y manoseado por los nazis (ojo, hablo de intenciones, no de arte).

La película abre con un escenario western. Una campiña francesa se abre paso con grandes planos y música del grosso Ennio Morricone. Es uno de tantos amaneceres. Una de tantas películas. Tarantino sigue demostrando que el cine no está muerto.

SI, YA SE, ¡¡¡NO PUEDO CRITICAR PELICULAS DE TARANTINO!!! - ¡¡¡NO PUEDOOOOOOO!!!

Leer Bastardos sin gloria en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

El trailer promete. Los extraterrestres llegaron a la tierra. Esta vez no es para masacrarnos, retarnos, meterse en nuestro cuerpo, criar bichos en nuestro tórax, ni sondeos anales, ni encuentros cercanos o convertirnos en las hamburguesas de sus locales de comidas rápidas (si, la película existe, se llama Bad Taste). No señores, esta vez son inmigrantes ilegales. Cruzan la frontera de la capa de ozono y se refugian aquí ilegalmente. No, no es Hombres de negro. Aquí los humanopulpoincectozoides viven en un getto de Sudáfrica donde se escapan y roban, revuelven basura, llevan changuitos por la calle, etc. Si, si, mensaje social de linyeras, mexicanos, homeless, etc. Si no se entiende, a no preocuparse. El director estaba preocupado por que no se entendiera y cada cinco minutos tenemos una imagen que nos lo explica. Solo falta el cartel luminoso.

La cosa es medio rara. Esta villa (si, es eso) donde se alojan los inmigrantes es muy grande y poco vigilada. Así que mediante artimañas el gobierno los quiere desalojar a un complejo mas cerrado. El documental comienza pero no termina. Desde el inicio todo es muy documentaloide. Hablan expertos, se explica el caso, cámara subjetiva cuando se va desalojando a los chobi… ¡y vemos a dos extraterrestres urdiendo un plan! Se acaba el documental de un cachetazo y comienza la ficción. Está bueno que se haga una introducción, pero avisame antes che. Ah, y Romeo y Julieta ya está muy gastado. Innovemos…

Propuesta excelente. Resultado mediocre. Mezclar un documental con una película se vio más de una vez, pero es complicado si no sabes llevar los tiempos. Al parecer, el director no sabe. En varias partes este muchacho nos dice: “¡Mirá! ¡Te pongo una cámara copada y subjetiva del arma!” ¡Zapallo! No funcionó con Doom, menos con House of dead. Y eso que estaban basadas en video juegos. Si te la querés dar de banana comprate un traje amarillo pero no me pongas esas tomas que son lamentables y no sirven para la película. Ojo, la cosa es llevadera, la historia no es pésima, pero hay crasos errores de narración.

Consejo para Peter Jackson: La próxima vez que tu nombre aparezca en algún lado, asegurate que sea un buen producto. De todas maneras, al igual que Spielberg, te perdonamos por poner tu firma.

Leer Distrito 9 en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Sr. Sam Raimi ¿Acaso te atreviste a asustarme con un pañuelo? ¿Y dos veces? Ese pedazo de torta tampoco parecía una amenaza, sin embargo tambien logró asustarme.
El director de Evil Dead vuelve a las andanzas luego de sus millonarias Spiderman. Haciendo que todo elemento inocente muestre sus dientes (o sus ojos) y cobre vida propia. Aunque este film circule entre la comedia y el espanto, sólo esta respondiendo a la filmografía del director. Allí donde las películas de terror clase B experimentaban el terror cirquero. Mes cerca de la demencia de los protagonistas que de la psicología del "malo".

Esta es la historia de Christine, una empleada bancaria que para hacerse la loca frente al jefe deja a una gitana sin hogar al negarle un plazo de su hipoteca. Con los gitanos no se jode, asi que la vieja le mete una maldicion que la hará alucinar y sufrir durante tres días. Al cumplirse el plazo, la Lamia se la llevará al averno.

Hacía mucho que necesitaba unos buenos sustos. En una época de constantes remakes de clásicos (porquerias u homenajes, cada uno sabrá), Raimi crea sobre una base ya casi olvidada. Esa formula al estilo Cuentos de la Cripta y Creepshow que no solo nos haga saltar del asiento sino que tambien nos saque una sonrisa. Que juegue con nuestro ritmo cardíaco a traves de los sonidos y los estruendos. Esos malditos violines que hacian chuin chuin todavía los escuchaba antes de irme a dormir.
Fanáticos del terror ochentoso, serán saciados.

Leer Arrastrame al infierno en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Chuck y Larry son amigos y compañeros de trabajo. Ambos viven vidas muy diferentes. Larry es viudo con dos hijos y Chuck es un mujeriego hambriento. Como son bomberos, Larry desea que los herederos de sus bienes sean sus hijos, pero como su esposa murió y se venció el plazo para el traspaso, no puede por una gilada burocrática. Como trampa necesita casarse para acelerar el trámite por lo que convence a Chuck de ser su esposo. Todo comienza a ser una aventura gay cuando deben convivir por ser vigilados sospechosos de fraude.

Si bien ninguno de los dos actores logra salir de sus personajes que ya hemos visto en otras películas (el gordo bonachón y el flaco de gran corazón, ambos calentones) logran hacer un buen equipo. Una comedia que toca grandes temas como la discriminación, la amistad y el aprendizaje.

Está muy bien lograda la historia y no necesita decaer en sentimentalismos para dejarnos pensar en la tolerancia y lo que puede lograr la amistad. Esa amistad que muchas veces supera al amor de una pareja, no por competencia sino porque la amistad, al menos en los hombres (sería empíricamente imposible para mi saber lo que es la amistad entre chicas), es una pasión, una empresa entusiasta que se emprende sin llevar balances. Porque toda perdida en la amistad siempre es una ganancia.

 FRASE DE LA PELICULA: “Yo no tengo dos papás, tengo a papá y al tío Larry que es más como una mamá”.

Leer Yo los declaro marido y larry en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Estamos en la clase de pociones del profesor Slughorn (y si, Snape es demasiado groso para los pendejos). Nos sentamos al fondo para que no nos vea cuando haga alguna pregunta y, de paso, ver lo que hacen David Yates (director) y Steve Kloves (guionista) con la tarea: Harry Potter y el misterio del príncipe. Tenemos de todo sobre la mesa para preparar esta poción de película (cuak). Solo debemos acudir a la imaginación y la creatividad... pero, en lugar de eso, vemos a los realizadores sacar los machetes de las películas anteriores para repetir la misma fórmula.

Así como Harry comienza a machetearse con un libro de pociones remarcado y con anotaciones de un tal "príncipe mestizo", la película cae en la repetición de todo. No quiero perder el tiempo de comparar el timing de las películas anteriores para ver si son verdad mis sospechas de que repiten, incluso, los momentos de tensión y distensión.
Información nueva, repetición de la vieja... sale por instinto, cada tanto, preguntarse ¿qué más puede pasar? Y pasa.

Cabe destacar, que las edades que observamos en cada adaptación son muy remarcadas, encontrando en este volumen un abuelo tierno que nos lo hace saber: "Che, Harry, hay café... hay cafeitarse". Las hormonas están como locas y no se hacen esperar los besos, calenturas y celos característicos de la edad de los personajes. Un Ron no tan niño y un Potter que se hace adulto a los golpes. Desde las actuaciones, muy buenas. Los efectos también. La película no es mala, sino todo lo contrario: es mala.

MORALEJA: Un gran bodrio pero es la mejor de la saga.

Leer Harry Potter y el misterio del príncipe en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Herética, maldita, pagana, perversa, maliciosa, descarada, demoníaca, idólatra, morbosa, amoral, gore, putrefacta... fabulosa. Todo esto encierra Häxan (se pronuncia "hek-sen"). Desde la excéntrica Freaks (1932) de Tod Browning nunca creí que el cine pudiera haber concebido antes una película tan shockeante y con imágenes que se graban casi a fuego en el inconciente. De lo teórico a lo práctico. Desde la cosmovisión de la creación y la realidad, pasando en detalle por el catolicismo medieval de la prerreforma, hasta llegar a una búsqueda de la verdad a través de lo fáctico, lo científico; más específicamente, el psicoanálisis.

Benjamin Christensen no solo se propone desde el principio como una persona con algo para decir (así lo sugiere exponiendo un primerísimo primer plano de su rostro al inicio) sino que propone una correcta búsqueda de la verdad. Con abstraernos un poco del material, reconocemos que actúa en su propia obra sobre tres papeles distintos: Demonio, Sacerdote y Jesús crucificado. Siendo respectivamente personificado en la condena, la mediación y la salvación. Manifiesto de un trabajo personal donde quiere darnos a conocer su propia cosmovisión de de la realidad sobre los miedos del hombre. Y el temor como síntoma de una percepción errónea de lo verdadero.

Desde el inicio muestra Christensen su material didáctico a través del uso de iris y punteros para señalar las distintas escenas en los cuadros de El Bosco. Presentándonos las convenciones que se detallaran durante el metraje, sirve de introducción a los miedos como creadores de mitos en la angustia del no-saber desde los egipcios al medioevo. (Dato freak: uno de los ídolos demoníacos que aquí se presentan es usado por William Friedkin en The exorcist).

Las escenas que componen el resto del metraje no aluden a la edad media desde el romanticismo, como puede verse en otras realizaciones, sino que se vale del más terrible adjetivo para representar esta era: la edad oscura (aunque considero mas sugestivo su traducción al ingles: dark age). Más de una escena alude directamente a obras de Velásquez, Caravaggio y Goya con su tenebrismo gótico para utilizar el negro como tono predominante llevado a un nivel pictórico. He aquí el cuidado estético de Christensen mediando casi entre el pintor y el cineasta para crear atmósferas desde el claroscuro y hasta valiéndose de vapor para cargar de humedad el aire del encuadre. La música acompaña de sobremanera los colores y la masa de vapor que lleva cada relato. Este uso de los grises supone un vaivén entre las maniqueístas concepciones de bien-mal. Abriendo una paleta de colores moral, el director va más allá del bien y del mal presentándonos al demonio como una persona apasionada, divertida y hasta querible, invirtiendo los iconos convencionales de una sociedad cristiana.

Desde la primacía de la razón, nos quiere erradicar el miedo y la superstición. El film cierra con una reflexión sobre lo que ha provocado poner por encima de la realidad la fantasía. El sufrimiento que el temor antiguo ha provocado desde la ignorancia de eliminar el problema en lugar de observarlo desde la perspectiva psicoanalítica. La tortura solo ha llevado a que la supuesta bruja confiese lo que los inquisidores quieren creer. No en la brujería como utilidad que se ve en el segundo capítulo sino como oníricas reuniones de aquelarres en compañía del demonio, el enemigo cristiano.

En sus freudianas teorías sobre la histeria (claramente influenciadas por el auge del psicoanálisis en los años veinte), el realizador nos trae al presente con un caso particular encarnado por una joven mujer sonámbula y cleptómana. Atribuyendo estas enfermedades a la soledad sexual y la ausencia de su marido. Si durante todo el film se nos muestra a la autoridad como brutal y rebozante de poder, aquí los tonos solo sugieren la compasión y la condescendencia. Se aprovecha el marco histórico de la 1º guerra mundial, donde mujeres solas o viudas pierden el rumbo y las seguridades futuras, mendigas de la vida como María la Tejedora, y su represión sexual se asemeja al celibato o al claustro monacal. Donde creíamos que la pasión sexual solo era obra de Mefistófeles manifestándose en el cuerpo, solo eran las pasiones que no se dejaban reprimir y hacían las veces de normalidad en la psiquis. Como manifestaciones reales de la persona. El cristianismo reniega de la pasión, ergo: el cristianismo reniega de la naturaleza del hombre. El reemplazo de la enfermedad por la superstición y la patología por la represión, comienza una serie de arpegios subjetivos sobre la edad oscura de la historia de la humanidad.

La construcción de la idea de un universo es misión de la ciencia, no de la brujería, la religión, el esoterismo o la superstición: "La creencia en espíritus malignos, hechicería y brujería es el resultado de ingenuas nociones sobre el universo".  Hay una clara defensa de la ciencia: "La locura de la bruja puede ser explicada como un desajuste nervioso". El miedo puede controlar nuestra realidad: "La creencia de la gente era tan fuerte que la presencia del diablo se convirtió en algo real", casi comparable al "Gran Otro" del que habla Lacan.

CONCLUSION: La ciencia puede explicar el mito, ya no hace falta invocar a un dios para que llueva. Häxan responde a una necesidad ética en la que el saber se pone al servicio del hombre para superarse, para evolucionar. Solo falta tomar el martillo de Thör, sentir el viento del mar en un navío vikingo y poner a todo volumen The ride of the Valkiries de Richard Wagner para, definitivamente, aspirar el húmedo y oscuro aire del cine nórdico.

Leer La brujería a través de los tiempos (1922) en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Nos sorprende un Romero que vuelve a ser independiente: "Para mi los zombis representan el desastre, y lo que trato de explorar en mis películas es cómo reacciona la gente ante una catástrofe, podría ser un huracán, podría ser una inundación... pero en este caso son zombis. Me interesa qué ocurre en el mundo, tanto en la sociedad como en las vidas individuales de las personas y cómo tratan de adaptarse. En Diary of the dead, de hecho, he vuelto a contar otra vez la misma historia, pero esta vez me interesaba ver qué pasaba con los medios, qué pasaba con la información, qué pasaba con el gobierno".

Explosión mediática, bombardeo de información continuo. El peligro de tantas opiniones es dejarse cautivar por ciertas ideas que aparecen, por ejemplo, youtube o myspace. La información no se puede controlar porque no se sabe de donde proviene. Todo el mundo tiene una cámara en sus manos (celular). Desde la puesta en escena del film, la cámara continuamente subjetiva es la que narra la historia. Todo esto contiene la gran pregunta que es Diary of the dead. En palabras del autor: "La pregunta es: ¿Los medios crean violencia o la violencia crea los medios? No lo sé. Es una pregunta que no intento contestar". Desde el comienzo se nos muestra un equipo de periodistas tomando la casa donde ocurrió un crimen con toda naturalidad: "Tres muertos, lo típico". Un hombre en la radio nos dice: "Es lo más parecido al programa La guerra de los mundos de Orson Welles. Y eso que en esa época era solo por la radio. Ahora son las 24 horas del día".

Así como el reportero al comienzo se escandaliza porque el conductor de una ambulancia esta almorzando mientras cargan un cadáver en su vehículo, Romero hace lo propio presentando una película dentro de otra película que a su vez tiene imágenes extraídas de otras filmaciones. Esta obra es un "el muerto se asusta del degollad" constante. El gran montaje montado sobre un montaje de otro montaje. Este trabalenguas sólo hace más evidente el mensaje del director. Hay tantas versiones y tantas ficciones montadas sobre otras ficciones que no se muestra una verdad sino un recorte de ésta por más autentica y progresista que sea la intención.

Estas evidencias se presentan desde el guión, no solo la violencia sino también este asesinato de la verdad. Constantemente se juega con el vocablo inglés "shoot", el cual se usa tanto para "filmar" como para "disparar". En un primer momento, el profesor Andrew Maxwell (Scott Wentworth) le entrega un arma a Tony (Shawn Roberts) diciendo: "es fácil de usar". Un minuto después, siendo sarcástica con el profesor, Deb (Michelle Morgan) le entrega una cámara diciendo: "tome, es fácil de usar". Se remarca esta idea de la cámara como un arma para matar o herir a la verdad. El segundo momento es cuando Jason (Joshua Close), moribundo, le pide a Deb que le "dispare" ("shoot me") y le entrega la cámara. Acto seguido, ella lo ultima de un disparo a la cabeza con un arma de verdad, ya sin metáforas.

Leer Diario de muertos en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

 
Treinta y siete años después de su ópera magna, Romero abre esta obra con el viejo logo de la Universal, sugiriendo un "I'm back". Dice Romero en una entrevista: "La fantasía es un medio para las metáforas". Y jamás lo ha demostrado tan completo como en esta película. En una Norteamérica donde se ignora el terrorismo y los problemas sociales, las personas parecen tener cada vez más amnesia. Aquí se nos muestra un universo paralelo de un EEUU bajo el gobierno de George W. Bush: un edificio donde los blancos viven una atmósfera de "nada ha cambiado". Se niegan a aceptar o reconocer que la vida no es la misma. Siguen como si nada hubiera pasado luego del 9/11 y no se le da importancia a la guerra en Irak.

Mostrar todo esto sería muy sencillo, pero como no hablamos del estilo Michel Moore, documentalista, se necesita poner a trabajar la imaginación para que la metáfora sea posible. Romero utiliza el cine de terror como vehículo para una crítica social. La ficción como herramienta para reflejar el mundo, una metáfora de la realidad.

En esta película, EEUU es un lujoso hotel donde el hombre blanco y rico sigue su vida mientras los zombis siguen afuera. Encerrados en una isla, los que viven en las calles sufren la explotación para que "los de arriba" puedan seguir con la vida que tenían antes del ataque antropófago. Mientras se muestra el interior del edificio, se escuchan a los parlantes invitando a la gente a un baile de máscaras, resaltando aun más la resistencia al cambio de estos victorianos. El verdadero horror es que el sistema anterior nunca vuelva a ser restaurado. Incluso siguen usando el sistema monetario como si de algo valiera en la economía. No por nada el rey, amo y dios de este pueblo, Kaufman (Dennis Hooper), grita encolerizado cuando los zombis invaden: "No tienen derecho".

La figura todopoderosa de este personaje se nos presenta además en la puesta en escena. Este dios comienza su discurso deteniendo un péndulo de reloj y explicando todo lo que ha hecho por las personas dentro del edificio y cómo ha mantenido al vulgo con espectáculos y vicios. Termina su monólogo haciendo arrancar nuevamente el péndulo, remarcando así su poder no solo espacial sino también temporal sobre la masa.

Este edificio es mostrado siempre desde una perspectiva caligarista. Apelando a la estilización y el uso del triangulo para sugerir poder y dominio desde la figura de Kaufman y sus dominios una y otra vez durante todo el film. Puede observarse no solo la prepotencia arquitectónica sino también su función omnisapiente y panóptica. Desde el impresionismo, en una escena nos muestra todo su poderío desde el interior del edificio, donde, más que un homenaje, atenta con ser un plagio de Metrópolis, la cual plantea un problema similar entre clases sociales.

La lucha en esta película es entre hombres. Los zombis son solo accesorios dramáticos apartados que no tienen su incumbencia sino hasta los últimos minutos. Esta es la lucha del todopoderoso hombre blanco Kaufman contra el mestizo Cholo (John Leguizamo) que intenta entrar en esta clase social relajada. Analogías si las hay entre el ciudadano estadounidense y el mexicano, donde el primero le dice al segundo: "De acuerdo, pinta mi casa, pero no entres en ella". Como satirizando al presidente Bush y su proyecto de un muro en la frontera con México.

Casi como un Karl Marx de nuestra era, Romero comenta la explotación del hombre por el hombre en este sistema capitalista. De cómo el proletario solo sirve de herramienta para el poderoso. El ser útil como medio por el cual una persona deja de ser persona para convertirse en engranaje. "Fúndase, por regla general, el sistema de la producción capitalista en que el trabajador vende su fuerza como mercancía" (El Capital). Cholo, el proletario, se harta de estos juegos de poder donde nunca podrá pertenecer, dada su condición de no-ario. La revolución proletaria conlleva desestabilizar el sistema de poder capitalista, a lo que Kaufman (¿Bush?) predica: "No negociaremos con terroristas". Para hacer aun más cercana la metáfora, Cholo comenta su cruzada literalmente como una yihad.

Desde lo técnico puede observarse que, al ser producida por la Universal, no hay planos arriesgados como en el resto de su filmografía. Aun así, su ideología punk-anárquica y denunciante sigue intacta. Por ejemplo, al principio de la película, nos muestra una bandera rasgada, signo de la debacle del sistema.
El mensaje del hombre encerrado en sí mismo sigue en pié. El diseñador Arv Greywal para hacer la ciudad, se basó en el diseño de un campo de concentración que no sólo protegiera a las personas sino que también las mantuviera prisioneras.

Leer Tierra de muertos en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Pudo haber sido un virus. Pudieron haber sido ratas. Pudieron haber sido terroristas. O incluso vampiros, como en la novela que inspiró al director a realizar la película (I'm legend, de Richard Matheson). Y aunque esta novela sólo narra acerca del último hombre sobre la tierra, Romero decidió ir hacia el día cero del ataque. Parte del optar por filmar muertos vivos se debe a la película El carnaval de las almas de Herk Harvey (un claro homenaje lo hace cuando los muertos emergen del agua en Land of the dead), la cual impresionó al director antes de lanzarse a su ópera prima. Dicha realización juega con el lugar que ocupan los muertos en el mundo y cómo una mujer vaga sin saber en qué lado de la realidad se encuentra. Muchos de los planos utilizados aquí pueden verse en el film de Romero. También, por mencionar a un director menor, de Alfred Hitchcock ha sabido nutrirse de de los aspectos de la mente humana ante situaciones límite, la caída de algunos valores clásicos y los planos rápidos en la acción, como se verá más adelante. Romero utiliza al zombi como revolución, crisis. La película trata sobre la gente y lo que hace para adaptarse a los cambios en el mundo. La disolución del orden. El fallo del orden capitalista contra una condición anárquica de las situaciones.

Un gesto común por parte del director en toda su filmografía será el de colocar los títulos al principio cada película. Una especie de solidaridad con el espectador para no cortar el sentido dramático de la narración. La confianza en los medios es una constante. Tan desesperados están por conocer una versión "oficial" que los ánimos cambian al encontrar una radio en la casa y hasta une a los enemigos al momento de encontrar un televisor. Ben (Duane Jones) trata de calmar a Barbara (Judith O'Dea): "Estaremos bien por un rato. Tenemos armas, balas, comida y una radio". A través de una imagen televisiva, Romero representa el inicio de la histeria cuando los tres representantes de nuestra tranquilidad entran en conflicto de opiniones: Gobernantes (que nos guían), Militares (que nos protegen) y Científicos (que nos explican lo que pasa). La caída de estos pilares que se consideran mejores que nosotros por el cargo y la cultural carga que se les atribuye, conlleva el guante blanco que arroja el director a nuestra absoluta confianza en ellos. No conforme con remarcarlo aquí, Romero luego hará las críticas de cada uno por separado. En Día de los muertos se carga a los militares. En The Crazies con los científicos. Y en Tierra de muertos contra el gobierno.

Ya se mencionaron estas sugerencias por parte de los medios, pero, sin cansarse de eso, la puesta en escena también es tenida en cuenta. Cuando los personajes encuentran un televisor en la casa, deciden ponerlo sobre dos sillas. Al encenderlo comienzan las confusas informaciones y mentiras corrientes del medio noticiario, seguida de la imagen de los tres poderes. El encuadre de dos sillas enfrentadas demuestra la verdad y la mentira que se unen y nos confunden para entregarnos a su más fiel comentador: los medios.

Buscando entre las influencias del director, se observa una muy profunda: Alfred Hitchcock. Las tomas rápidas en la acción y cortes desde perspectivas angulares extrañas son los lugares comunes de ambos. Cabe destacar aquí el trabajo de Romero como editor, utilizando un staccato montado cinematográficamente donde cada escena se destaca una tras otra con una duración de no más de tres segundos. Un homenaje al maestro del suspense puede verse claramente en la escena donde Karen (Kyra Schon), convertida en zombi, asesina a su madre (Marilyn Eastman). La perspectiva y el uso de la iluminación apuntan directamente a Psicosis.

Leer La noche de los muertos vivos (1968) en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Un senador y su esposa vuelven a su pueblo para presenciar el funeral de un desconocido para el mundo. Tras la insistencia de un reportero, nos cuenta la historia de su llegada al pueblo.
Cuando era un joven abogado, este senador llega la pueblo del oeste donde el arma es la que hace de juez y verdugo. Sumado a la incompetencia del sheriff local, no puede creer el estado de anarquía que reina. Golpeado y humillado varias veces pero siempre con una esperanza, comienza a enseñar a leer a la gente y el sistema democratico que les da derecho a voto.
Tras discusiones con el matón del pueblo, se bate a duelo y logra matarlo, al menos eso creemos.

Sobre el final, volviendo del funeral, se acerca un camarero del tren para traerle una escupidera especial para el senador. Lo que este agradece y el sirviente replica: "Lo que sea por el hombre que le disparó a Liberty Valance". Y la deprimida cara del senador se nos hace notar. Angustioso de solo ser recordado por haberse salido de la ley en la que tanto cree, recordado por matar a un hombre.

MORALEJA DE LA PELICULA: Hace mucho lei una frase (pero no recuerdo de quien) que dice: "Los pecados escriben la historia, el bien es silencioso". Es decir, siempre te van a recordar por tus cagadas. Lamentablemente siempre son mas notables. No importa si enseñaste a salir del analfabetismo a un pueblo, la asociacion que siempre se hará será por la macana que te mandaste.

Leer Un tiro en la noche (1962) en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Uno de los mas impresionantes comienzos de pelicula que he visto en mi vida. Tipica escena de grupo de adolescentes saliendo de la escuela y estan cada uno en la suya entre compañeros, celular, mp3, bromas mientras esperan el subte. De la nada se teman de las manos y se arrojan a las vias logrando un enchastre digno de cocinero que se olvidó de ponerle la tapa a la licuadora

Un detective y una hacker free-lance intentan descifrar que hay detras de una ola masiva de suicidios aolescentes que asola la ciudad de Tokyo. Mientras, las personsa se lanzan desde los edificios, se cortan las venas y demas escenas no aptas para estomagos blandos.

Mas alla de toda analogia, esta pelicula es un claro dardo directo a los medios de comunicacion y su influencia sobre los jovenes. Finales inesperados si los hay, asi que hay que mirar con ojo fino cada indicio que nos da el director.

MORALEJA: ¿Escuchas la musica que estas escuchando? ¿Lees lo que estas leyendo? ¿Compras lo que estas comprando?

Leer El club del suicidio en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Un nuevo reality, cinco millones para los ganadores, solo una consigna: jugar a la ruleta rusa en vivo.

Katy esta filmando su trabajo, a modo de documental, donde tiene como proposito mostrar un espectaculo totalmente nuevo. Toda puerta que se le cierre sabrá abrirla con la ganzúa de su astucia y retorica para convencer a cualquiera de que este show revolucionará la television.

Es genial la escena donde trata de convencer a una persona a traves del ofrecimiento de una manzana, alegoria biblica si las hay, como la tentacion de generar algo terrible pero maravilloso. Como una Eva de los medios, recurre al quilombo mediatico para estar en boca de todos: el morbo siempre vende.

La pelicula no intenta ser una llamada de atencion sino que nos deja la tarea de la reflexion para casa, como, en mi opinion, deberia pasar en todas.

Leer Muerte en vivo en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

La idea es genial. Nacer viejo, morir niño. Una mirada inversa al juego de la vida que muchas veces no es tan inverso como creemos. En muchos casos podría decirse que la ancianidad es una segunda niñez, obviando lo motriz, claro esta: caprichos, manías, cuidados, temores...

Benjamín solo fue querido en una familia adoptiva, bicho raro desde el comienzo encontró su hogar entre sus pares pero en el lado opuesto de la vida, un asilo de ancianos.
Entre consejos y cuidados extremos la vida de este personaje se desarrolla normalmente, si bien parece un viejo, su esencia infantil es completamente normal.
A través de la película no pasa nada mas allá de la vida de este hombre, algunos sucesos norteamericanos históricos pasan como sugiriendo una cronología contextual.

Si al que nos vende los carilina en el tren lo ponemos en una sala donde se proyecte esta película, seguramente se hará el día.

MORALEJAS DE LA PELICULA: Aprovechar a los ancianos, tal vez el haber crecido en este ambiente ha hecho que Benjamín viviera como una buena persona generosa, llena de vida.

Leer El curioso caso de benjamin button en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

Si pudiera cambiearle el titulo a esta pelicula yo pondria: "Citas: manual del usuario".

Si bien se trata de un tramado de historias conflictivas amorosamente, no debemos tener miedo. No es un "tarantinezco" ir y venir del pasado al presente sino una linea bastante bien guionada sin alteraciones demasiado impactantes. 
La historia esta narrada en base a distintas parejas que inician, se mantienen, se deshacen o regresan con una sutileza tal que no choca en los idas y vueltas de cada una.
Durante las situaciones se nos presentan consejos, señales, gestos y frases que nos marcan una pauta en la intencion que nuestra pareja (o futura pareja) tiene con nosotros.

No es la comedia romantica tipo de las cuales Hollywood se ha dado el lujo de hartarnos con las mismas situaciones, actores y desenlaces. Hay cuentos de hadas para unos y cruda realidad para otros.

Hace veinte años, cuando nadie podia ver quien estaba llamando, los demas estaban obligados a atender el telefono. Podias llamar a alguien quince veces en un dia que no quedabas como un/a neurotico/a. Y de no querer verte mas solo existia esa forma de no decirtelo en la cara.
Hoy en dia a los hombre y mujeres se los rechaza dsde facebook, myspace, msn, foros, sms... Los medios de rechazo se han multiplicado.

MORALEJA DE LA PELICULA: El amor es un quilombo, amar a una persona es el doble de quilombo y saber que decir cuando estas enamorado... quilombo por 500. Pero vale la pena el intento.

Leer Simplemente no te quiere en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

El padre de Skeeter administraba un hotel familiar donde todas las noches se dedicaba a relatarles historias fantasticas a sus hijos.
Pero en una situación económica complicada se ven obligados a vender y resignarse a vivir como empleados en un mega hotel construido sobre las ruinas de lo que era para ellos un reino de fantasia.

Decadas mas tarde Skeeter solo hace tareas de mantenimiento en el hotel cuando se le presenta la oportunidad de presentar un proyecto de modernizacion del hotel. Mientras tanto debe cuidar a sus sobrinos, quienes desean escuchar sus historias antes de ir a dormir. Como esta algo oxidado, los niños ayudan a la construccion de la historia, como princesas, batallas epicas y finales felices.
Todo comienza a desvariar cuando al otro dia los cuentos se hacen realidad a su manera en la vida del tio Skeeter.

Una tipica de Disney que nos deja pensando al final si la caja boba nos esta atrofiando el cerebro o no, ataca directamente a la falta de dialogo que hay entre niños y adultos y lo inagotable que es la creatividad de los retoños infantes.

MORALEJA DE LA PELICULA: Sigamos creyendo en los finales felices.

Leer Cuentos que no son cuento en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

¡Basta de poner excusas! ¡Basta de decir que estas ocupado! ¡No mas "ya habia arreglado algo"!
Llegó la hora de decir SI a todo lo que se te preponga para vivir más atento a las propuestas y oportunidades en la vida

La rutina de Carl es cíclica, del trabajo mediocre que tiene hace años al video club y a su casa a pachorrear en el sillón. No importa que hagan sus amigos para sacarlo de su casa, siempre tiene algo, siempre esta ocupado.
Para cambiar, concurre a un líder espiritual obsesionado con el si. Lo obliga de ahora en mas a ser un "hombre si" y aceptar toda propuesta que le hagan, desde pagar todos los tragos en un bar hasta aprender coreano y participar de una fiesta temática de Harry Potter (la mejor parte de la película).

Obviamente es una película para Jim Carrey, cada carcajada es culpa de este actor. La película no tiene un gran argumento, si bien es original, la trama es predecible, pero es ideal para ver con amigos y pasar un gran momento de la mano del payaso canadiense.

FRASE DE  LA PELICULA: "La vida es un patio de recreo, de niño lo sabes, pero de algún modo se nos olvida".

Leer ¡si señor! en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...

¿Puede narrarse una época de salvajismo, de tortura inhumana y de horror desde la visión inocente de un niño? Aquí se nos demuestra que si. Una historia muy fuerte que no se vale ni de sangre ni de violencia para crear un ambiente de espanto desde la ternura de un niño de ocho años.

Bruno es el hijo menor de un reciente comandante del ejercito nazi, tras este ascenso deberá mudarse con su familia lejos de Berlín para estar a cargo de un campo de concentración.
Mientras se aventura por su nueva casa, mirando la ventana de su cuarto, descubre una "granja" donde todos visten pijamas y el humo de sus chimeneas expulsa un olor espantoso.
Como su profesor particular le prohíbe sus libros de aventura e intenta lavarles el cerebro con "historia alemana" (cosa que funciona con su hermana de 12 años), Bruno comienza su aventura haciendo viajes a escondidas de su casa a la "granja". Allí conoce a Shmuel, un niño de ocho años como él, con quien trata de comprender por qué están tras un alambrado y trabajando todo el día en pijamas. Pronto nace una amistad más allá de toda diferencia étnica.

Basado en la homónima novela de John Boyne, quien también participo del guión, así que los lectores no serán defraudados, cosa que a menudo ocurre en el cine.

Cuando al horror se le agrega la inocencia, pega dos veces. Esta película es un drama muy fuerte, no por escenas de violencia ni sangre porque no hay ninguna explicita, sino porque, como adultos, sabemos lo que esta pasando en todo momento pero en la inocencia y la ternura de no tener maldad, de no conocer diferencias y solo querer alguien con quien jugar que es presa de un mundo que no conoce... es muy fuerte y altamente recomendable.
Para los que gustaron de "La vida es Bella" y "El laberinto del Fauno", un kilo y dos pancitos...

FRASE DE LA PELICULA: "Si encuentras un judío que sea bueno, entonces eres el mejor explorador del mundo".

Leer El niño con el pijama a rayas en MIS DOS CENTAVOS SOBRE CINE...